lunes, 22 de febrero de 2010

007: AL SERVICIO SECRETO DE SU MAJESTAD (On her Majesty´s secret service)



O, aunque nadie lo hubiese imaginado, me han pescado.
Es una película de la United Artist del año 1969. El director es Peter Hunt y tiene como protagonistas a George Lazenby, Diana Rigg y Telly Savalas. Su duración es de casi 134 minutos.
Es la sexta película de la serie James Bond, y la primera (y última) del actor George Lazenby (u Orejas Bond). También es la que mayor duración tenía hasta la fecha (si mal no recuerdo Casino Royale es la única que la supera en duración).
Esta película es la que menos éxito obtuvo, y muchos de los fans de la saga reniegan del actor que encarna a su héroe favorito. Pero bajo mi punto de vista es una buena película.
Si bien es cierto que hay que hacer un leve esfuerzo por entender la actitud de este James para casarse (hay que tener en cuenta que el personaje ha sido capaz de acostarse con la primera mujer que se pusiera por delante, bien por placer, bien por trabajo, y sin inmutarse), también es cierto que lo hace en un contexto algo diferente de a lo que nos tenían acostumbrados con el gran Sean Connery (el Bond inteligente y ligón).
Personalmente, a mi este actor no me disgusta para el papel. Lo único malo (aparte de sus enormes orejas, lo siento), es que se casó y eso no parece lógico conociendo lo aventurero del personaje. Pero casamientos aparte, a mi me parece una buena película. Pero que voy a decir yo, si me gusta (unas más, otras menos), todas las películas de este personaje.
También hay que decir que para George esta era su primera película. A este caballero, modelo de profesión, lo vieron en un spot publicitario y les dio buena espina. Pero la duda aún rondaba por los estudios, no en vano se trataba de sustituir al genial Sean Connery y eso no era tarea fácil. Por mucho empeño que le pusiera la actriz Diana o el director Peter Hunt o los especialistas (con los que se llevaba francamente bien), en enseñarle todo lo necesario, no impidieron que la prensa le atacara. Siempre le comparaban con el anterior James, aparte de difamar contra él al decir que se llevaba muy mal con la actriz protagonista.
Debido a su potente acento australiano (según decía él, venia de la Australia más profunda), tuvo que ser doblado. Pero de esto no se dio cuenta hasta que no vio la película. Y es que decían los productores que no se le entendía ni papa.


La dama en cuestión, Diana Rigg, que pasa de ser chica Bond a ser la única Esposa Bond, en un principio le rechazaba y luego le utiliza en la cama (cosa que el personaje, como ya he dicho anteriormente, hacia muy a menudo). Esto, sumado a que luego parece caer en sus redes, más el salvamento que hace cuando los soldados de Stavro Blofeld (Telly Savalas) le persiguen para matarle, hace que un chip salte en su cerebro.
La escena en la que la canción de Louie Armstrong llamada “We have all the time in the world”, suena mientras los dos protagonistas se van enamorando poco a poco, es preciosa. No es para menos, con semejante canción de fondo.
Un detalle curioso, es cuando a James le comentan la leyenda que hay escrita en el escudo de su familia. Esta dice “El mundo no es suficiente”. Y precisamente, así se llama (bueno, aquí se tradujo más o menos, ya que se llamo El mundo nunca es suficiente), una de las películas de la serie que se hizo bastante más tarde.
También es interesante el hecho de enviar a varias mujeres a diferentes partes del globo, hipnotizadas, para luego recibir una orden y romper un tubo que contiene una toxina capaz de esterilizar a todo ser vivo. Curioso, porque en la película Fu manchú y el beso de la muerte, del año 1968, el villano en cuestión utiliza a varias mujeres a las que obliga a matar a ciertos dignatarios a través del veneno que corre por su sangre, enviándolas también a diferentes partes del globo (de esta película solo pude ver 15 minutos de lo mala que era).
Una frase muy recordada y que al público de entonces gusto, fue cuando termina la pelea en la orilla, después de salvar a la protagonista, él dice mientras ella se marcha: “Esto no le pasaba al otro”. Y es que en muchas de las escenas de acción, el intervenía más directamente de lo que lo hacia Sean, y eso le fastidiaba. Entonces al director se le ocurrió que podía decir eso antes de que entraran los créditos iniciales.
Pero la película tardo en recaudar lo gastado y de obtener beneficios, por lo que debían culpar a alguien y fue el pobre George el que pago el pato y fue despedido. Y la verdad que su carrera como actor ha sido más bien pobre. Si hubiese realizado otra de Bond, igual las cosas serian diferentes.

En fin, véanla y juzguen ustedes mismos.

sábado, 13 de febrero de 2010

DIRE STRAITS



Tengo que decir que mi canción favorita de todos los tiempos, para mí es "Sultans of Swing" de Dire Straits. Fue la canción que me hacía levantarme por las mañanas. Sin esa canción ahora sería un alma perdida y un integrante de pleno de derecho de la generación ni-ni. Fue la canción que me aficionó al mundo de la música, y fue la primera que aprendí a tocar con la guitarra. Bueno miento, creo que la primera fue "Europa" de Santana, pero ahora no lo recuerdo bien, hace ya muchos años de eso. Ese acorde en Re menor con el que arranca la canción me sube las pulsaciones, y por muchas veces que la escuche nunca me canso de escucharla. La habré escuchado un millón de veces sin exagerar. Todavía recuerdo cuando iba colgado de mis "Walkman" caminito de la escuela con esa canción puesta, sino era imposible comenzar. Aún conservo la cinta TDK con los grandes éxitos de los dire straits que me garbaron en el insti. Por aquel entonces yo estaba sumido en la busqueda de identidad musical y existencial. El Hip Hop y el Bakalao era lo que se estilaba en mi barrio, pero a mí no me acababa de gustar aquello. Asi que pedí asesoramiento, y poco a poco fuí descubriendo el universo del rock. Primero fueron los Dire Straits. Es un poco raro porque normalmente uno descubre el rock de la mano de Acdc o deep purple, o Metallica. Pero en mi caso fueron los Dire Straits. En aquella época los Dire Straits era la música que le gustaba a mi padre y con la que creció, asi que se estrañó un poco de que me gustara esa música, asi que me habló de grupos como Pink Floyd, Police, Chicago, Santana, Rod Steward, Queen, Gary Moore etc... y ese fue mi camino hacia el rock.
Para mí es interesante entender cuando a una persona le sale el monstrou del Rock de dentro. Como dice mi colega Juampe: "Un día estaba escuchando la Oreja de Van Gogh, de repente me salió el monstruo. Sentí la necesidad de escuchar a los Judas Priest. El monstruo me salió del pecho y alzó los brazos haciendo la señal de los cuernos con las manos y me volví Heavy"
Los Dire Straits viene a significar algo así como "grandes estrecheces" o como dijo el propio Mark Knopfler en una entrevista en el antiguo programa de la tele "Lo + Plus"significa "Pasándolas putas". Mark y su hermano David estaban en el Londres del 77 cuando decidieron grabar una maqueta que por poco termina en la basura. Un locutor de la BBC la escuchó y decidió pincharla en la radio, el resto es historia. Por aquel entonces Mark y su hermano compartían piso con el bajista, y parece ser que estaban pasando calamidades económicas.


El primer disco de Dire Straits apareció en plena explosión Punk con los Sex Pistols y Ramones a la cabeza. Con todos mis respetos pero ese acorde en Re menor de Sultans of Swing fue como una bocanada de aire fresco que limpió los restos de un monstrou llamado Punk. Una guitarra cristalina y limpia como la brisa marina en una mañana playera, irrumpió en la escena dejando los excesos del Punk a un lado. Si bien luego han acusado a Dire Straits de ser un grupo de rock un poco pijo, yo digo que es un estilo elegante que recoge las influencias del Country americano de JJ Cale. También un poco de rockabilly se hace patente en el primer disco de los Dire Straits, pero la principal influencia de Knopfler es JJ Cale, tanto en la forma de tocar como en la forma de cantar. Y es que Knopfler tiene una peculiar forma de tocar la guitarra, lo cual le hace perfectamente reconocible al oido. Con deciros que hasta mi madre le reconoce. Mark toca con los dedos y deja a un lado la técnica de pua. Lo cual le dá una mayor sensibilidad a la hora de tocar. Knopfler simplemente nos hace levitar. Alejado completamente de los virtuosos que dan mil notas por segundo, Knopfler es un virtuoso del tempo, de la sensibilidad, de la textura, de la melodía perfecta, de los arreglos y sobre todo de los matices.
Para mí el primer disco de los Dire Straits, homónimo, es el mejor, por la fuerza y la frescura que representaron en su momento. Es verdad que luego alcanzaron la fama mundial con el Brothers in Arms, pero yo me quedo con el primero. Todas las canciones son buenas, no hay ninguna de relleno y además se nota la influencia Conutry- Folk americana em todo el disco. Normalmente no me gusta que los ingleses jueguen a ser americanos, pero en esta ocasión suena inglés pero con remiscencias al profundo rock sureño. Es casi como un homeje a JJ Cale, Bob Dylan, Neil Young, Albert King y Chet Atkins. Si teneis ocasión escuchadlo y disfrutad.

Aquí teneis los comienzos de Mark y un video en la actualidad. como pasa el tiempo.




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jueves, 11 de febrero de 2010

EL PIANISTA (The pianist)


Es una película del año 2002. Distribuida por DeAplaneta, y dirigida por Roman Polanski. Dura aproximadamente 143 minutos y esta basada en el libro de Wladyslaw Szpilman, el cual narra su vida durante la 2ª Guerra Mundial.
Ni que decir tiene, que la banda sonora es genial en todo momento. Las piezas de Chopin, suenan a lo largo de todo el filme interpretados por Janusz Olejniczak (Encargado de grabar las piezas de Chopin para la Banda Sonora) con gran maestría y sentimiento. He de decir que los nocturnos y valses de Chopin ha sido lo más bonito que escuchado. Pero ya hableremos de Chopin otro día.
La historia de Wladyslaw Szpilman no se entendería sin sus interpretaciones de Chopin al piano.
El pianista polaco fue célebre en su época por las interpretaciones magistrales de las piezas del compositor también polaco Frederic Chopin.
La crueldad que se desarrolla al principio es sobrecogedora. Hay escenas que te llegan al alma, y te hacen sentir una impotencia indescriptible. Ganas de frenar lo que ves o de no poder apartar la mirada para sentir todo lo que te llega, es lo que sentí cuando la vi. Pero es que la crueldad en la guerra es real, y aquí Roman Polansky lo plasma bastante acertadamente.
Szpilman, solo por ser judío, sufre los tormentos y vejaciones de un pueblo sumido en el delirio de un loco llamado Hitler. Ver a todos los judíos mugrientos y muertos de hambre tirados por las calles es estremecedor. Niñas llorando desconsoladas llamando a sus padres. El sufrimiento de un pueblo, solo porque a alguien se le ocurrió que eran inferiores. Y es que se han escrito muchos libros y tratados sobre como pudo suceder algo tan espeluznante como aquello. Una de las teorías que se barajan es que el odio del pueblo ario alemán al judio viene del rechazo que sufrió Hitler en su juventud por parte de los mecenas y marchantes de arte judíos. Hitler en su juventud estaba interesado en la pintura, y llegó a pintar distintos cuadros. Presentó varias de sus obras a los apoderados judíos estos le rechazaron por una supuesta falta de talento. Esto llevó a un joven Hitler a desarrollar un rencor y resentimiento hacia los judios que luego se trasformó en un delirio colectivo. Ese es solo el comienzo, el joven Hitler comenzó a predicar sus discursos antisemíticos por los bares y tabernas alemanas. A parte hay que decir que los judios controloban la gran mayoría de los comercios en Alemania. Los alemanes se preguntaron como un pueblo errante y foráneo llegó a prosperar en una tierra en la que por aquel entonces muchos de los suyos morían de hambre.

La película también explora la condición humana, y de cómo, aunque estén destrozando, matando y humillando a tu pueblo, si te ofrecen un puesto para hacer de ojos del Tercer Reich, lo aceptas. Algunos para comer y otros para poder salvarse.
Desde el momento en el que los judíos son trasladados al guetto en Varsovia, Szpilman no deja en ningún momento de sufrir. Y aun así, encuentra tiempo para su música, para recordar melodías y así evadirse de la realidad tan desoladora y desesperanzada que le rodea.
La actuación de Adrien Brody es extraordinaria. A cada momento que transcurre, o por cada situación que le alcanza, se torna cada vez más afligido, desolado y quizás con un gran sentimiento de culpa.
La escena con el oficial alemán observando como él toca magistralmente al piano las piezas de Chopin, es conmovedora y llena fuerza. Y aunque él se sentía intimidado, no dejaba en ningún momento la lata de comida debido al poco alimento del que dispone.
Una de las frases que más me han gustado de la película, es el momento en que un soldado del ejercito ruso (si no me equivoco), le pregunta: ¿Por qué llevas ese abrigo? (se trata de un abrigo alemán), y él responde: porque tengo frío. Y es que él había salido a la calle, cuando los rusos habían tomado la ciudad donde se encontraba, y sin pensar en lo que llevaba puesto, salió a la calle con una alegría que hacía tiempo no sentía.

A mi la película no me dejó indiferente, y me mantuvo las más de dos horas sentado en el sofá, mirando sin perder detalle.

Magnífica.

EL DIA MAS LARGO (The longest day)



Es una película del año 1962. Rodada en blanco y negro, y producida por la Twenty Century Fox. Tuvo tres directores: Ken Annakin, Andrew Marton y Bernhard Wicki. Esta basada en un libro escrito por Cornelius Ryan. Su duración aproximada es de 171 minutos.
Que la primera escena sea un casco tirado a orillas de una playa, ya deja entender que vamos a ver algo espectacular. Y así es.
La película nos relata el día en el que los aliados, en la 2ª Guerra Mundial, se disponen a atacar a las fuerzas del Eje por Normandía, Francia.
Aquí por lo menos, o a mi parecer, las tropas estadounidenses no lo hacen todo (algo a lo que nos tienen actualmente acostumbrados por sus obras en cine), sino que es la unión entre los ingleses, los franceses y ellos mismos, lo que hace que todo se lleve a cabo. Una unión que viene de la desesperación por la extensa duración de la guerra.
También se ve el punto de vista alemán, aunque para mí la actuación de los mandos alemanes, en algunos casos roza lo cómico. No parecen tener una organización en firme, en contra de lo que pudiera parecer. De todos modos, es de las pocas películas en las que no se les trata simplemente de gente sin cerebro, sin escrúpulos y sin vida personal.
El cruento desembarco en Normandía, sobre todo en la playa de Omaha, es espectacular. Como lo es también el ataque que se desarrolla en el pueblo de Ouistreham, donde se despliega una impresionante incursión rodada en un solo plano. No llega al minuto de duración, pero ver tal coreografía en los ataques me dejó impresionado.

Una de las secuencias que más recuerdo es cuando no mucho después de haber llegado a Francia, un comando del ejército aliado va caminando por un muro de no más de un metro. Por el lado opuesto y en sentido contrario, un comando del ejercito alemán. Pero como ambos bandos van mirando al cielo para ver los aviones y las explosiones, no se dan cuenta de que al otro lado esta el enemigo. Solo un norteamericano se da cuenta, pero no reacciona del todo. Y es que es para quedarse con la boca abierta.
El plantel de actores es muy suculento. Tenemos a John Wayne, Robert Mitchum, Henry Fonda, Sean Connery, Paul Anka (quien además interviene en la banda Sonora), Richard Burton, Mel Ferrer y Robert Wagner entre otros muchos. Todos ellos geniales en sus interpretaciones.
Aunque la película empieza un poco floja, con unos diálogos un tanto sosos, va tomando cuerpo a medida que avanza. Hasta llegar a desarrollarse una amalgama de batallas a cual más impactante. En esos momentos no te apetece pararla para ir a ningún sitio.
No se hace pesada, aunque su duración tire para atrás a más de uno, y esta muy bien llevada. No en vano el tener a tres directores es algo muy acertado para apreciar las diferencias entre distintos bandos y lugares.
Maurice Jarre es el encargado de la banda sonora, y con lo que me gusta este compositor, he de decir que no esta a la altura de sus otros trabajos.

Y nada, espero que si algún día la ven, os guste igual que a mi.

lunes, 8 de febrero de 2010

ELEGIDOS PARA LA GLORIA


ELEGIDOS PARA LA GLORIA.


Es una película del año 1983. Dirigida por Philip Kaufman. De la Warner Bros y basada en un libro de Tom Wolfe. Tan solo dura 185 minutos de nada, vamos.

Quizás la frase mas pegadiza de la película, sea la respuesta que se da a si mismo Dennis Quaid ante la pregunta que él mismo se hace (excepto casi al final de la película, que se la hace un periodista). La pregunta es: "¿Quién es el mejor piloto?", y la respuesta: "lo tienes delante". Esto te hace ver mejor a su personaje, un hombre alegre, seguro de si mismo y que le gusta su trabajo. Fíjate si le gusta que prefiere que su mujer le abandone y se vaya con su madre a perder su puesto.

En esta película el principal protagonista se podría decir que es el hecho en sí de enviar hombres al espacio antes que los rusos, porque todos los que intervienen, que son muchos, son importantes e imprescindibles para el buen desarrollo de la película.

El piloto Yeager, interpretado por Sam Shepard, parecía ser el centro de interés de todo el largometraje. Y se podría decir que si. El es el mejor piloto que hay en los Estados Unidos, y lo demuestra año tras año, batiendo los récords que a él le arrebatan. Pero cuando los políticos de los USA deciden que ya es hora de enviar a un hombre allí arriba, porque los rusos se les adelantan, no buscan al mejor piloto, sino que buscan al buen piloto americano que tenga estudios. Y como él no los tiene, ni se molestan en llamarlo. Lo que hace el marketing y la propaganda. Pero eso no es nuevo ni allí antes, ni en cualquier punto del globo ahora. Al final él se queda en la Base Edwards, una base con un presupuesto estatal muy bajo, viendo como el resto de los académicos salen en la tele y triunfan en el programa espacial. Pero no esta solo y no se siente desgraciado. Junto a el esta su mujer, interpretada por una magnifica Barbara Hershey, la cual le dice que odia a los pilotos, pero como a él le conoció como tal, no podía cambiarlo porque le quería tal y como es. Esto en realidad es lo que más aprecian todos los pilotos que salen en la película. Incluido el personaje de Dennis Quaid llamado Cooper.

Quizás el que más amor tenía hacia su esposa era el personaje interpretado por Ed Harris. El mote que le pusieron fue el de Don Perfecto, y pensaban que su mujer estaba tan por encima de las demás mujeres de los pilotos, que ni se dignaba hablar con ellos. Y no era así. Ed era un buen piloto, y con un gran corazón, y quería un montón a su mujer. Y el único problema que tenía ella a la hora de hablar con el resto, era su tartamudez. Pero como se va viendo, se hace amiga del resto, al igual que Don Perfecto, y entre todos crean un vínculo tan fuerte, que hacen cambiar algunas reglas sobre lo que intentan hacer con ellos el gobierno de los Estados Unidos.

Otros actores son Scott Glenn (el silencio de los corderos), cuyo personaje se hacía conocer por una imitación de un mejicano que decía: hola, me llamo Jiménez. Fred Ward (Remo, desarmado y peligroso), que es el que primero mete la pata con la capsula (o nave espacial, que era como todos ellos quería que se llamase), y cuya mujer es, posiblemente, la que mas quería todo lo que hace su marido por la gloria y el dinero que esto supone. Scott Paulin (Rebelión en las ondas), es el piloto que pasa desapercibido. Parece que no lo va a conseguir, y al final esta entre los siete elegidos. Lance Henriksen (el eterno Bishop en Aliens), es otro de los pilotos que junto a Scott y al último de la lista, Charles Frank casi ni se les siente.

Mención aparte merece Jeff Goldblum (para mi se quedo con el personaje de La Mosca). Sus apariciones en la película casi son cómicas. En fin.

Empezaron tratando el tema de superar la barrera del sonido, y llegaron hasta las estrellas. La lucha por ser los primeros en llegar al espacio para que los rusos, que por aquel entonces no parecían tan amigos de los habitantes del pueblo libre (como les encanta llamarse los estadounidenses), no llegasen antes, era lo único que les importaba. También cabe mencionar que los causantes tanto de la llegada de los rusos como de los norteamericanos, son los alemanes. Lo único que parece que pusieron los habitantes del pueblo libre fue el dinero y los pilotos (como creo que hacen en numerosas ocasiones).

El que no tratasen bien económicamente a los pilotos porque no era de interés nacional, y de reyes a los que iban a ser astronautas (creo recordar que ganaban unos 7.500 dólares al año, y con el proyecto serian 500.000 dólares a repartir entre los siete en los tres años que iban a estar allí), era algo que intentaban recordar a los espectadores en algunas ocasiones. Yeager se quedo sin dinero, pero él y su mujer vivieron felices pues lo que necesitaban estaba en la Base Edwards.

En definitiva, es una buena película, no todo eran estudiantes, tetas y viajes en el tiempo en los 80. Que si, que dura tres horas pero que a mí se me pasaron rápidas. Que aunque haya momentos muy “me gusta mi país y como mi país no hay ninguno”, que tanto les gusta a los estadounidenses, sigue siendo una película que también los pone un poco a caldo, cuando intentan ver que lo único que les interesa en llegar arriba sea como sea. Y al final pierden, puesto que los rusos ganan en lanzar un cohete al espacio y en enviar otro tripulado. Fíjense si tienen prisa los norteamericanos, que envían a Don Perfecto al espacio sin tener muy seguros los sistemas de la nave.

Y eso, que los 4 oscar que se llevo (música, sonido, efectos de sonido y montaje), para mi son merecidos.

Y no me extiendo más, gracias.

domingo, 7 de febrero de 2010

EL SHOW DE TRUMAN

Esta es mi primera aportación a algo de este tipo. espero poder llegar a la altura de mis compañeros de blog, y darles también las gracias (sobre todo a Gary), por invitarme.

empezare por esta película que vi hace poco.



EL SHOW DE TRUMAN

Es una producción del año 1998. Genero podríamos decir que drama, aunque con algunos toques de humor. Es de la Paramount Pictures protagonizada por Jim Carrey, Ed Harris, Laura Linney y Noah Emmerich, entre otros.

Por si no nos vemos luego: buenos días, buenas tardes y buenas noches.

Esta podría ser la frase referencia de esta película.
Una buena película, diría yo. Para ver a un Jim Carrey en un papel en el que los gestos no sean el argumento principal, la verdad es que no lo hace nada mal.
No se si fue por verle actuar por primera vez (en esta película ya que las anteriores eran un pongo cara rara a ratos si y a ratos también), o por el argumento, pero la película me impacto.
El buen toque de piano del autor Philip Glass hace que los momentos sean más intensos. Eso, sumado al resto de la banda sonora hace de esta película además de un buen entretenimiento (que es por lo que vemos cine casi todos, o por lo menos yo), una película que transmite paz.
Momentos buenos que recuerdo son cuando pierde a su padre en la tormenta, que luego recuerda. E instantes después lo ve y se reencuentra con él.

Parece un gran hermano a lo bestia, aunque aquí solo se decantan por observar a una persona a la que van guiando desde que nace.
También se podría sacar una conclusión de esta película, y os la voy a exponer. Se trata del padre, que en este caso es Ed Harris, que ve a su hijo desde fuera, guiándole en todo momento pero sin saber exactamente lo que Jim quiere (la frase “no has puesto una cámara en mi cabeza” lo ratifica), y no permite que se salga del redil para tenerle siempre controlado. Cuando la actriz Natascha McElhone que interpreta el personaje de Silvia, se enamora de el y lo quiere alejar de allí, el padre autoritario y poco comprensivo la expulsa de su vida, y le acerca a una muchacha que hace todo lo que su suegra le dice. Es la nuera perfecta. ¿Que pasa cuando el hijo se quiere marchar? Que se le intenta convencerle a toda costa de que es una idea estúpida, y que donde va a estar mejor que en su casa.
La escena donde el intenta escapar y es golpeado por las enormes olas que su padre le envía, es como golpear a su hijo en un momento de rabia, porque le esta desobedeciendo mas allá de toda medida, y eso es algo que el no aguanta, mas por no estar acostumbrado, que por el echo en si.
En fin, que es una buena película que solo dura 99 minutos y que se hace corta.

Si la veis espero que os guste.

sábado, 6 de febrero de 2010

Cream. Clapton, Bruce, Baker...



Voy a hablar de uno de los sonidos más célebres de la historia musical rockera. Yo era un adolescente imberbe (aún lo soy) cuando por primera vez oí en radio3 un especial sobre un grupo llamado Cream. Por aquel entonces habia comprado una guitarra y comenzaba a aprender a tocarla. La primera canción que pincharon en el susodicho especial radiofónico fue "I'm so Glad", descubrí que detrás de las baladas moñas de Eric Clapton existe un espíritu salvaje de las seis cuerdas. O quizá el ímpetu de juventud fué lo que le llevó tocar de esa manera. No podia creer que Clapton estuviera tocando aquello, era como una improvisación jazzistica, pero en vez de Jazz estos tios estaban tocando Rock. Aquello me pareció el paradigma de la libertad musical en su máxima expresión. Tres personas, cada una con su respectivo instrumento, improvisando, creando, volando libres a traves de las escalas pentatónicas. Ginger Baker azotando su bateria como si una tormenta se aproximase. Eso fue lo que me pareció. Creo que en el Rock nunca se habia dado antes el desarrollo de la improvisación y la libertad musical. En otros estilos como el Blues y el Jazz es más normal que los instrumentistas hagan gala de su virtuosismo a través de los compases de una canción sin importar la duración del tema. En el Rock creo que Cream fueron los primeros en experimentar con sus instrumentos sin reglas delante del gran público, sin el concepto cerrado que supone hoy en día la estructura de una canción. Y si no fueron los primeros fueron los que mejor lo hicieron. Fueron pioneros también en el concepto de Super-grupo y Power-trio. En 1966 dieron su primer concierto en el Reading Jazz Festival y a la media hora se les acabó el material, asi que lo que hicieron fue una jam improvisada. Era la priemra vez que se hacia con éxito, incluso salieron en los titulares por ello. Clapton nunca tuvo mejor sonido y estilo. El sonido de una Gibson a un Marshall 100watt nunca sonó tan salvaje como en aquella época. Solo hay que escuchar Spoonfull, Crossroads, NSU o White room para comprobar que el sonido de una guitarra nunca estuvo tan distorsionado y su volumen, nunca sonó tan alto hasta la llegada del señor Clapton, por eso es tan grande, y no por las baladas por las que llegó al gran público en los 70 y los 80. Con Cream el rock despegaba y se abría la puerta del Heavie Metal.
Clapton hacía poco tiempo que habia dejado a los Bluesbreakers de John Mayall, cuando en una jam con Ginger Baker surgió la posibilidad de montar un grupo. Al proyecto se unió Jack Bruce, que era un excelente bajista, contrabajista y cantante. Las directrices del grupo eran claras, cada miembro del grupo tenía carta blanca para expresarse como instrumentistas pero sin compromenter la cohesión del grupo.
El primer disco, Fresh Cream, Tiene toques psicodelicos y reminiscencias bluseras. Era una primera toma de contacto con el gran público, y teniendo en cuenta que fue grabado con un cuatro pistas en un tiempo record, no resultó mal. Spoofull y Rollin' and Tumblin' eran los cortes bluseros en los que Clapton nadaba como pez en el agua.
El segundo disco, Disraeli Gears, fue salpicado de lleno por el verano del amor, 1967, la psicodelia, y un joven que estaba causando estragos en la escena musical. Un tal Jimi Hendrix. El disco fue muy bien acogido por la nueva moda Hippie imperante. Sunshine of your love, Tales of Brave Ulises y Strange Brew se convirtieron en Hits, en himnos para los jovenes revolucionarios de la época.
Luego todo se fue difuminando y Clapton se dió cuenta escuchando el disco de The Band, Music From Big Pink, que se estaba alejando de lo que realmente quería hacer, y que necesitaba un ambiente más relajado. Asi que en Noviembre de 1968 se separaron tras editar el magnífico doble album "Wheels on Fire". El primer Lp grabado en estudio, y el segundo Lp grabado en directo en el Fillmore donde está uno de los mejores punteos de guitarra de la historia: Croosroads. Una de mis canciones favoritas. Con tan solo 23 años Clapton logró reescribir el manual de las 6 cuerdas y dar una clase magistral que quedará en los anales guitarristicos.
En 1969 se publicaria "Good Bye", el último disco de Cream, con el grupo ya disuelto.
En definitiva, Cream logró dar a Clapton la madurez y las tablas suficientes para que posteriormente lograra encaminar su carrera hacia el blues y las baladas poperas, que fue lo que siempre deseó. Ni que decir tiene que supuso un enorme influencia para la nueva generación de guitarristas y grupos que se estaban forjando a finales de la década de los 60. Grupos como Mountain, Ten Years After, Grand Funk RailRoad, Free, siguieron la estela de la mezcla de estilos como el Blues británico, el Rock progresivo y la psicodelia que crearon Cream.
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miércoles, 3 de febrero de 2010

FUNNY GAMES de Michael Haneke



Lo que sigue no intenta ser más que un breve comentario sobre la película Funny Games(1997), del director M. Haneke.
Si a alguien le interesara la versión extendida que me lo haga saber y se la haré llegar de la manera que me lo pida.
Esta película produjo, y no es poco, dos tipos de reacción en el público: o bien fascinación ante una obra de arte, o bien repulsa y rechazo ante lo que se tomó como una tomadura de pelo, como un film vacío y violento.
No hay que confundirla, por favor, con un remake que se hizo hace unos años para que el público norteamericano pudiera asimilar la escasa información que tiene por costumbre asimilar entre hamburguesa y hamburguesa.
La repulsa que produjo por parte de algunos espectadores se debió a que en un momento crucial de la película, justo en el punto de inflexión del guión, uno de los actores dirige un mando de vídeo hacia los espectadores, retrocede y trastoca la historia a su favor, de manera que los "malos ganan".
Funny Games en un film de ficción, pero sin espectos especiales espectaculares, que sitúa al espectador fuera del cómodo lugar que le tiene reservado la industria consumista: si alguien quiere ir al cine una tarde a pasar un buen rato más, que no se le ocurra jamás pagar una butaca para ver esta película, que consiste más bien en algo así como un ensayo imaginario-visual acerca de la violencia en los medios de comunicación, y de cómo se relaciona "ella" con sus espectadores.
Este asunto, tan oculto en la conciencia ordinaria, es tratado desde el rechazo de la especulación a la que se nos tiene condenados en la tele y en el cine comercial, la cual no hace sino eliminar toda posibilidad de producción de sentido. Además, el director rehúye tambén de la espectacularidad monótona típica, que anula el sentido mismo y ensordece el mensaje que podría haber, espectacularidad a la que también se nos tiene acostumbrados.
Este film es de contrastes duros, y de enfrentamientos. El primero se evidencia en la banda sonora: tan sólo dos canciones y dos estilos claramente desemejantes. Frente a la tranquilidad, la majestuosidad y la serenidad de la música clásica, el quiebro de una musica metálica, cortante, agresiva, acompañada de un grito desgarrador. Dualidad de opuestos que se hace patente en el malestar del espectador que asiste a un drama desgarrado y violento. Pero es tolerable: la industria del cine nos tiene acostumbrados a ello y con ello nos anestesia. Se garantiza el espectáculo a un módico precio. Los héroes de la pantalla se dejan ser identificados por el espectador pasivo que ve cómo pasan cosas que por sí mismas no tienen mucho valor: se trataba de pasar un rato divertido...
Para ellos, los espectadores y consumistas, el mundo real es filtrado a través de la pantalla del cine, que muestra la realidad tal cual es, sin metáforas, tal cual es su mundo aburrido y ordinario. El cine comercial elimina la experiencia ilusionante del teatro, que permitía al espectador pensar o imaginar por su cuenta, y atrofia la imaginación y la espontaneidad. Los resultados del esquematismo kantiano aplicado a los medios de comuniación por parte de la maquinaria industrial paralizan las facultades antes mencionadas y por tanto el sentido y su creación particular en la experiencia estética. La tensión que se crea es, por cierto, tan automática que no necesita ser actualizada, y sin embargo logra reprimir la imaginación. Dicho más claramente, y con respecto al tema que nos ocupa: la violencia inconsciente de la sociedad consumista actúa en los espectadores de una vez por todas.
Fnny Games, juegos divertidos, consiste en una literal bofetada a la siesta intelectual permanente. Es una historia educativa para adultos: hace verdad la mentira de los grandes slogans de nuestra cultura, muestra en su verdad la realización tergiversada de la Biblia de la Ilustración: libertad de los asesinos, igualdad de los sufridores, fraternidad de los que abandonaron la sala...
Bueno, pues aquí tenéis un extracto del original que escribí. Os recomiendo ver la peli, la de 1997. En relación a la crítica de la sociedad consumista os recomiendo también ver Bowling For Columbine, y un documental extraordinario que se titula Zeitgeist, está por internet.
Un saludo. El chico bemol.

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