EL HOMBRE DE LA PISTOLA DE ORO (The man with the Golden gun)

Es una producción de la United Artist, del año 1974. Esta dirigida por Guy Hamilton y protagonizada por Roger Moore, Christopher Lee, Britt Ekland, Maud Adams y Hervé Villechaize. Es la novena película de la serie Bond, y la segunda interpretada por Roger Moore en el papel de James Bond. 120 minutos de acción y persecuciones imposibles.

La novela en la que esta basada la película, tenían pensado hacerla después de Solo se vive dos veces, y rodarla en Camboya. También tenían pensado llamar a Moore para interpretar el papel de Bond. Pero los acontecimientos ocurridos en Camboya por esos años, les hicieron cambiar de opinión, y consultar otro guión y otro actor para desempeñar el papel.

La película empieza con Scaramanga, interpretado por el genial Christopher Lee (al cual le vino de perlas este papel, así dejaba de interpretar Drácula, personaje que le había supuesto gran fama, pero que le encasilló), demostrando su pericia en el arte de matar y no dejarse hacer lo mismo. Todo orquestado por su ayudante Nick-Nack, papel desempeñado por el francés Hervé Villechaize.


Ya en Londres, el agente James Bond es llamado por M para advertirle de que Scaramanga, también llamado el Hombre de la Pistola de Oro porque utiliza este material para sus armas y balas, le ha enviado una con la inscripción 007. Y lejos de acobardarse, se decide a ir a por él.
Viaja a Beirut, Hong Kong y Bangkok, siguiendo pistas y cruzándose más de una vez con él, aunque Bond no fuera consciente de ello.
La agente que le acompaña en esta aventura es Goodnight, interpretada por Britt Ekland. Y de nuevo se muestra una agente femenina incapaz de hacer algo a derechas. Mira si es así, que en un momento de la película, por su torpeza, casi acaba con Bond. Yo la verdad, no le veo la sustancia a un personaje así, puesto que más de un personaje femenino de las anteriores películas de Bond sí han demostrado coraje y determinación. Pero eso no le importó a Britt, la cual estaba deseosa de interpretar este papel. Tanto es así, que cuando la rechazaron (ya que en un principio no tenían pensado meter ese personaje de la novela), y vio como a otra actriz le daban un papel en la película, se enfado muchísimo. Y todo fue una confusión. La otra actriz fue Maud Adams, y su papel era el de la amante de Scaramanga.
Una de las escenas que más me impactó, fue la del salto que hace el coche de un puente roto, hacia el otro, también roto, en la otra orilla, dando un giro. Y lo mejor de todo, es que lo hicieron a la primera. También dicen que si llega a fallar, por muchos buzos que hubiera ya en el agua, o ambulancias en las orillas, es posible que hubiese muerto. Por suerte no fue así.

Como datos curiosos, comentar que el señor Lee, era primo de Ian Fleming, el escritor de las novelas de James Bond. Y que el actor Hervé Villechaize el cual era un ligón y siempre le enviaba un dibujo a la actriz Maud Adams, salió en el programa de Javier Gurruchaga “Viaje con nosotros”, por su enorme parecido a nuestro ex presidente Felipe González.
También es el final de una era, puesto que Harry Saltzman deja de producir las peliculas, y se queda solo el señor Broccoli como única fuerza motora de las peliculas Bond.Una película entretenida, mejor que la anterior, pero que aún le faltaba algo.

RORY GALLAGHER

Lo primero que quiero decir es que no os perdais el video que pongo al final del Post, no tiene desperdicio y podreis comprobar la fiesta en la que convertía Rory sus conciertos. Rory Gallagher es tan grande que se merece un puesto de honor en la historia del Rock. Desconocido para el gran público, y sin embargo casi una deidad para los que nos gusta el blues rock. Quizá ese desconocimiento del gran público viene inducido por su propio caracter sencillo, introvertido, amable, lejos del afán egocéntrico y exibicionista a los que no tienen acostumbrados las estrellas del Rock. Parece que es más importante tener una conducta estrafalaria, olvidando completamente la parte importante, la parte artística. Rory era lo contrario a un superventas de Hits, era lo contrario a un tipo de conductas estrafalarias, trajes imposibles que desvían la atención de la música, de peinados que crean modas, de innovaciones sonoras; Rory era un artesano del Rock, siempre con su pelo largo cayendo hasta los hombros, su sempiterna camisa de cuadros y su chaqueta vaquera, siempre fiel a su Fender Stratocaster y a su ampli Vox AC30. Rory no necesitaba nada más para crear canciones llenas de emociones, sencillas como él, pero llenas de sentido y sensibilidad, aderezadas con un gusto exquisito por la improvisación del momento, y así lo plasmaba en sus discos y en sus conciertos.

Rory estaba lejos de las grandes discográficas, de las grandes producciones, de las grandes campañas de marketing, lejos de las listas de éxitos, lejos de las portadas. Todo eso era secundario para él, era un daño colateral a su fragil personalidad, también como tantos otros, anegada en alcohol. El alcohol le acompañó durante toda su vida solitaria, le acompañó hasta su muerte de fallo hepático. Rory era una persona humilde, y comprometida con la realidad del pueblo. Uno de los músicos que colaboraba con él, Mark Feltham, describía como estando de gira, una vez Rory recorrió media ciudad en busca de un músico callejero que había visto para darle dinero. Aquí tenemos casos similares como el de Manolo Lama, ese gran periodista que se rie de los vagabundos, y le sacan en la tele para mofa y escarnio público...Bueno, ya me he ido por los cerros de Úbeda. Perdón.


Invetigando un poco me dí cuenta de que los grandes rockeros de este País como Rosendo y Fito, entre los más ilustres, citan a Rory como una de sus grandes influencias musicales.
De su música solo puedo decir que me encanta. Lleva el modelo Power Trio hasta su máxima expresión como hicieron sus contemporáneos Clapton y Jeff Beck con Beck Bogert and Appice.
Explosión de fuerza, frescura y sobre todo sentimiento y sencillez.
En sus últimos años de vida, en la década de los noventa, se quejaba de que no se le había reconocido lo suficiente en el blues y se sentía olvidado por todos teniendo en cuenta el resurgimiento del blues americano y británico con nombres como Gary Moore y Stevie Ray Vaughan o Robert Cray.
Si no lo conoceis muy recomendable la escucha de sus discos en directo como Live in Europe o Irish Tour, y sus discos de estudio como Calling Card o Tattoo Lady para introducirse en su discografía. Ahora el video, por favor no os lo perdais, sobre todo el final cuando se sube encima del ampli es lo mejor que he visto.

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OPERACIÓN WHISKY (Father Goose)

Es una película de la Republic, realizada en 1964. Dirigida por Ralph Nelson, tiene como protagonistas a Cary Grant, Leslie Caron, Jack Good y Sharyl Locke entre otros. Es una buena comedia que entretiene durante 116 minutos.

Y aquí tenemos al galán Cary “bien peinado” Grant, encarnando a un personaje que no tiene absolutamente nada de refinado, llamado Walter. Él quiere pasar desapercibido y no formar parte de la Segunda Guerra Mundial, pero al atracar en el puerto de una isla en los mares del sur, un mando del ejercito inglés que le conocía, reclama su presencia y le obliga, con ciertas maquinaciones, a que sea voluntario para vigilar una de las innumerables islas que les rodean. Allí, tendrá que avisar de los aviones japoneses que pasen.
La cosa se complica cuando tiene que rescatar a 7 hijas de distintos dignatarios, que viajaban en avión y que tuvieron que dejarlas en una isla por los ataques japoneses. Las siete muchachas viajan con la protección y el cuidado de una institutriz francesa.

Con lo arisco del carácter de Walter, y las ganas de hacerse obedecer de la institutriz, sumado a las travesuras de las niñas, el cóctel cómico está servido.
Una de las últimas películas del genial actor Cary Grant, que aunque sin sus acostumbrados trajes de caballero, no deja de transmitir elegancia aunque este con barba de cuatro días.
Y Leslie Caron, que se hizo famosa en el cine gracias a Gene Kelly que la hizo participar en Un americano en Paris, esta a la altura de su compañero, pese a que tenia mucha menos experiencia cinematográfica.
Y lo que me reí con el juego de buscar botellas de whisky, que un desesperado Walter tenia que encontrar siguiendo unas pistas que le daban si hacia bien su trabajo.
Ganadora del oscar al mejor guión.
Muy buena.

LOS TRAMPOSOS

Es una película producida por José Luis Dibildos y Ágata Films, en el año 1959. Dirigida por Pedro Lazaga, tiene como protagonistas a Tony Leblanc, Concha Velasco, Antonio Ozores y Laura Valenzuela. Intervienen también José Luis López Vázquez, Elvira Quintillá, Manolo Gómez Bur o Jesús Puente. Son 82 minutos de gran ingenio cómico.

La película gira en torno a dos amigos, Virgilio (Tony) y Paco (Ozores), que se dedican al timo ingenioso, para sacarse unas perras, junto a un ayudante que no para de recibir los castigos que ellos le propinan.
Muy conocidos ellos en comisaría, cada vez que son pillados, les cuentan a Julita (Concha) y Katy (Laura), que están en Ávila pasando unos días. Y es que Julita es la hermana de Paco y de quien esta enamorado Virgilio. Paco, como no podía ser de otro modo, esta enamorado (a su manera) de Katy. Y es por el amor de Julita, por lo que Virgilio deja su vida de timador y encauza por ese camino, el de la honradez, a su amigo Paco.


Después de algunas perrerías que se encuentran en su camino honrado, se deciden a crear una empresa de viajes turísticos por Madrid. Y siendo timadores o siendo honrados empresarios, las situaciones delirantes no dejan su buen hacer de lado.
Una película donde el ingenio de la picaresca adquiere un tono cómico, sin dejar de lado el que todos los trucos usados no eran del todo nuevos. Vemos el buen actuar de los personajes, dando una energía muy refrescante a la película, convirtiéndola en un clásico del cine español (el timo de la estampita en la estación de Atocha es un clasicazo).
Comentar mi pesar por el fallecimiento de tan gran cómico, Antonio Ozores, y recordándole en una de sus mejores películas. Aunque aquí no utilice ese peculiar modo de hablar, si se le ve su manera de tratar las cosas, o de cómo se toma la vida, sin darla mucha importancia.


Como anécdotas, la que tuvo Concha Velasco con su ropa. En aquellos años estaba de moda el cancán, y ella, sabiendo que Laura era más atractiva y que siempre iba mejor vestida que ella, ni corta ni perezosa se hizo unos cancanes grandes para sus faldas, y así poder destacar más que su compañera. Suerte que no se grababa la voz en directo, como se hacia antes, sino apenas se les escucharía con el ruido que hacia el cancán cada vez que ella se movía o se sentaba.
También destacar el trabajo de Tony, puesto que mientras rodaba esta película hacia actuaciones por la noche, por lo que descansaba más bien poco. En la escena en la que están tomando la mariscada, a él le estaban dando urbason en vena para que pudiera hablar en la función de la noche. Y sus compañeras le decían que comiera marisco (que les invito el productor José Luis Dibildos), y él estaba por un lado con el marisco y por el otro con el urbason.
En definitiva, una película estupenda, para pasar un buen rato y alegrarte un poco, que en estos tiempos es muy necesario.

TEN YEARS AFTER - LIVE AT FILLMORE EAST 1970

Bueno, bueno, bueno, la cosa empieza a animarse, y es que cuando suenan estos tios la cosa siempre está animada. Como ya sabeis a mí me gustan los grupos que se dejan la piel en el escenario, que tienen un profundo control y dominio del instrumento, que sienten cada nota y cada compás, aunque no sepan muy muy bien lo que es un compás, y ni falta que hace.
Me encanta hablar y en este caso contar, de como y cuando descubro las cosas que me gustan y de las que hablo, y esto no es una excepción.
Hace, creo que 10 años atrás, todas las noches escuchaba Radio 3. Algunos programas de Jazz, Rock antiguo, Blues, éxitos de los sesenta.... Todavía recuerdo el nombre de esos programas (la verdad, hoy por hoy no escucho la radio) Flor de pasión con Juan de Pablos, Tren 3, satelitres y jazzestamos aquí con el Cifu. Creo recordar que esos eran los programas de Radio 3 que escuchaba por aquel entonces. He de decir que aunque en radio 3 tiene cabida todo tipo de música, las últimas veces que la he escuchado me ha parecido espantoso el tipo de música actual que se pincha. Con la escusa de música "Independiente" y "Alternativa" se está dando corbertura a gente sin talento y sin gusto músical y dudo de que distingan entre lo que es un acorde mayor y un acorde menor; gente con barba de una semana y pelito largo que van de bohemios y compran un bajo fender y no tienen ni puta idea de lo que significa tener un instrumento en las manos de la marca Fender o Gibson, gente que no sabe quien es Jaco Pastorius o Johnny Winter. Lo digo porque soy músico aficionado y me encontrado con mucho musiquito bohemio "soy guay, tengo un grupo y voy de cool" y no tienen ni puta idea de música ni de su historia y tampoco sienten el instrumento, esta gente, simplemente me repugna. Luego cuando les pregunto si conocen a Ten years After, me dicen...no, no los conozco, como si los TYA no fueran dignos de ser conocidos por ellos...Bueno, ahora entierro el hacha de guerra. He venido a hablar de mi libro.

Lo dicho que una noche, en vez de estar viendo estupideces en la TV, me puse la radio y flipe con un concierto en directo que pusieron, estos tios tenían el alma blusera de Led Zeppelin mezclada con la fuerza de Deep Purple, y todo ello aderezado con el rock progresivo y una guitarra salida del infierno que recordaba que Eric Clapton no era el único blanco capaz de hacer sombra a mr.Hendrix. En escena estaba ese fenómeno de la naturaleza llamado Alvin Lee, cantante y guitarrista virtuoso es su época que me sorprendió por su rapidez y expresividad. Con esa voz que recordaba a Elvis y esa guitarra Gibson 335 que recordaba a Freddie King y a Chuck Berry.
Ese portento en trance tocando el bajo fender llamado Leo Lyons, me pone los pelos de punta. Rick Lee a la batería está a la altura de los más grandes bateristas de la época, y se hace el solo de batería más espectacular que escuchado nunca.


El disco en cuestión es una obra poderosa que también contribuyó a agrandar la leyenda de los conciertos grabados en el Fillmore, que son todos cojonudos como lo pueden ser los Made in Japan. Temas de más de 10 minutos en un puro orgasmo de rock progresivo en que los instrumentistas se deleitan en la emoción de tocar, tocar y tocar. Esto es la antítesis del Pop de los cuarenta principales y los de Sogecable. Que en tres minutos tienen que soltar el estribillo pegadizo para que las adolescentes tarareen la canción. Aquí no hay plástico, ni manager, ni productor que detenga semenjante explosión de Rock... Si quereís escuchar rock en estado puro escuchad Ten Years After Live At Fillmore.

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LA FAMILIA Y… UNO MÁS

Es una película producida por Pedro Masó y la CB Films, del año 1965. Dirigida por Fernando Palacios. Tiene como protagonistas a Alberto Closas, José Luis López Vázquez, Julia Gutiérrez Caba, Carlos Piñar y Elisa Ramírez, entre otros. Sin olvidar unas breves apariciones de gente como José Sacristán y Rafaela Aparicio. Un drama con toques de humor, o una comedia con toques dramáticos. Elijan. Son solo 95 minutos.

Segunda parte de la famosísima La Gran Familia (sobran los comentarios, pues es buenísima), cuenta lo que ocurre tres años después del final de la primera parte. Aquí ya no vemos ni al abuelo ni a la madre, pues ambos han fallecido. La que se suma a la familia es María, la más pequeña de los 16 hijos del aparejador.
Y así es. Carlos Alonso (Alberto Closas), sigue trabajando de sol a sol para mantener su hogar. Es ayudado por una de sus hijas, a la que despiden por ocuparse más tiempo de su casa que de su trabajo. Y su padre la dice que no pasa nada, que hay muchos trabajos de secretaria y pocas secretarias listas. Eso a día de hoy es ciencia ficción (lo de encontrar trabajo). El padrino ya esta casado pero no pueden tener hijos, lo que será de ayuda para Carlos, puesto que en un momento de la película se tiene que marchar unos días por un trabajo que le ha salido en La Coruña, y ellos se quedan cuidando a sus hijos.

Aquí se vuelve a retomar el tema de la unión familiar, y de cómo cada uno de sus miembros, se involucra en mantener unida la familia. Si bien aceptan que su padre trabaje tanto para mantenerlos, también aceptan de buen grado el colaborar dentro de la casa, hasta tal punto que limpiar, cocinar o cuidar de los más pequeños lo toman como algo necesario y nada abusivo.
Incluso la hija que se casa, vuelve a casa de su padre de vez en cuando a ayudar.
Los hijos expresar su agradecimiento a su padre por ayudarles tanto, y no cuestionan sus ordenes, que están dadas desde el corazón. Cosa que no ocurre hoy día, puesto que en primer lugar no colaboran en casa, y en segundo, menosprecian a los progenitores día si, día también. Es una pena que se pierdan esos valores, y no estoy hablando de inculcar disciplina con mano de hierro, sino hacerles entender desde pequeños que la familia no es algo secundario, más bien al contrario, algo serio que siempre estará contigo y que te ayudará en los malos momentos.
Las actuaciones de todos los que intervienen son geniales, sobre todo la de Alberto Closas, Julia Gutiérrez Caba y el incomparable José Luis López Vázquez.
En definitiva, me gusto también esta segunda parte, y tiemblo de pensar en volver a ver la tercera, pues se que es la mas dura de todas.

ATRACCION FATAL (Fatal attraction)

Es una película de la Paramount, del año 1987. Dirigida por Adrian Lyne. Tiene como máximos protagonistas a Michael Douglas, Glenn Close y Anne Archer. Son 114 minutos de buen suspense.

Dan Gallegher, interpretado por el señor Michael “más caliente que el horno de Lucifer” Douglas, es un abogado que trabaja para una empresa, en la que se encarga de solucionarle pleitos y demandas varias. Está casado y tiene una hija. La familia perfecta (y así lo quieren constatar, puesto que las primeras escenas donde salen los tres, van vestidos con ropas blancas o muy claras, y de fondo, mobiliario también blanco. Y el blanco simboliza pureza).
Su esposa Beth, interpretada por Anne Archer, es una perfecta ama de casa, que quiere a su marido, cuida de su hija y es espectacular su comportamiento en las fiestas de negocios a las que tiene que acudir junto a su marido.
Ellen, su hija, es obediente, simpática, lista y cariñosa con sus padres.



Lo que decía antes, una familia perfecta. Dan no tiene motivos para quejarse. Y aun así, la lía.
Todo empieza en una fiesta que da la empresa. Allí, Dan conoce de casualidad a una mujer rubia muy sexy, y muy segura de si misma. Se llama Alex, una excelente Glenn Close, y no es lo que parece.
El día después, y al acabar una reunión en la que los dos protagonistas están presentes, Dan y Alex, se marchan a tomar un trago, en un día de lluvia. Y a partir de este momento empieza la acción. Ambos mantienen una aventura, y ella no quiere que acabe.

Aquí, Glenn Close está que se sale, con las miradas, movimientos y la sensación que da de “voy a conseguirte a cualquier precio”. Son muchas las ocasiones en las que nos hace temblar, pero de la que más me acuerdo es de cuando está sentada, junto a una lámpara de mesa, y enciende y apaga, enciende y apaga, con la mirada perdida. Impresionante.
Y pensar que no querían que Glenn hiciera el papel, solo porque las actuaciones que había tenido en anteriores películas, la encasillaban en otro tipo de papeles. Creo que si hubiese sido otra la actriz que interpretara a Alex, la película no hubiese tenido el éxito que ahora tiene.
Éxito y críticas duras. Sobre todo del partido feminista, pues según ellas, la película quería insinuar que las mujeres que llegan a cierta edad, trabajan y no tienen pareja, no están bien sicológicamente y buscan con una desesperación patológica un hombre en el que apoyarse. Nada más lejos de lo que querían decir en la película. Pero ya se sabe con este tipo de partido, que ven como mala influencia hasta las películas de Disney. En fin, cosas que pasan.
La película parte de un corto que había escrito James Dearden y se grabo para la BBC. El guión gusto muchísimo y se llamó a James para que escribiera la película. Lo malo, es que casi ninguna productora quería hacerla, y ningún director dirigirla. Hasta que encontraron a Adrian Lyne (Nueve semanas y media), y tan entusiasmado estuvo que no dudaron en dejarle la dirección a él.

Después de su estreno, se abrió el debate sobre la sexualidad y la fidelidad. En los 80 no estaba muy bien visto lo del sexo a lo loco, solo hay que ver películas de terror de aquellos años, o alguna comedia en la que si quieres sexo, este trae consecuencias. Pero ninguna como la que se describe en esta película. Tremendo. Y lo bueno era que los personajes eran gente corriente, por lo que le podía pasar a cualquiera de los que han visto la película. Eso involucro mucho más a la gente. Fíjate si estuvieron involucrados, que se llegó a catalogar a Glenn Close, como la mujer más odiada de America. Y eso de que era solo un papel, que no se trataba de algo que ella había hecho y salía en el telediario.
Estuvo nominada a los oscars, pero no ganó ninguno. Aunque es cierto que es mucho más recordada que algunas de las que lo ganaron.
Una muy buena película, en la cual estás en tensión hasta el jodido final. Y eso que el final que vemos no es el original. Este se rodó porque el final original, no gusto a nadie en las salas en las que se realizó el pre-estreno. Y lo tuvieron que cambiar. Y me parece que eso fue 8 semanas después de terminar el rodaje. Glenn no quería que se cambiara, pero al final lo hizo. He tenido el gusto de ver ese final, y es mucho más duro que el que rodaron después. Y me quedo con el que está.

JACK KEROUAC - ON THE ROAD

Bueno, tras un fin de semana bastante movido ha llegado la hora de hablar de mi escritor favorito, de otro maldito, bohemio, que hizo de su vida una "road movie" constante.
Como lector empedernido, soy de los que llegan a una librería (por favor, no compren en el Corte inglés) y se pierde tras sus estanterías buscando algo que le llame la atención, nada en concreto, como dejando al libre albedrío la conquista de su próxima aventura vital y literaria.
LLegué a Kerouac tras leer a otros escritores que lo tenían como a un referente literario, siendo el máximo exponente de una generación de románticos que exprimían la vida al máximo de sus posibilidades. Otros dirán que Allen Ginsberg, William Burroughs, Neal Cassidy eran unos borrachos politoxicómanos que se dedicaban a recorrer Estados Unidos de punta a punta y cuando se aburrían se pasaban a México con la intención de calzarse a alguna lugareña. Vamos, el sueño de todo viajero. Sea como fuere, estos tíos me enseñaron a dejar de preocuparme un poco por la vida que nos encasquetan sin remedio de Trabajo-Coche-Novia-Casa, y soltarnos un poco la melena y vivir sin saber lo que va ocurrir mañana. Embotados en la rutina diaria, leer a Kerouac es como una brisa de aire fresco en tu mente, que aclara que realmente somos unos esclavos del Babylon System que decía Bob Marley en sus canciones.
Se que no voy a ser muy original diciendo que On the Road es mi libro favorito, y después de que el mismísimo Dylan confesara que también es uno de sus libros favoritos y que cuando lo leyó fue una fuente de inspiración muy grande para él, tanto como lo pudo ser Dylan Thomas, como declaró en una entrevista que vi en el documental "No Direction Home".
He de decir también que he leído toda su obra publicada en Anagrama, menos los poemas, y me parece el escritor más original y con más fuerza que he leído. Este tío y sus compinches empezaron a hacer de las suyas justo después de que terminara la segunda guerra mundial, cuando Estados Unidos se había declarado la gran beneficiada de una guerra que dejó desolada Europa que tardaría muchos años en recuperar la bonanza económica. De lo cual se benefició EEUU para erigirse la primera potencia mundial. En ese escenario, una nueva generación campaba con absoluta libertad por un gran país envuelto eternamente en problemas bélicos. Tras la segunda guerra mundial, EEUU se dedicó a declarar la guerra al comunismo, con la amenaza nuclear pendiente de las cabezas de los ciudadanos. Vamos, que se dedicaban a vender miedo igual que lo hacen ahora.

Sin duda fueron los precursores del movimiento que vino más tarde con la cultura Hippy, que a mi parecer fue una derivación de la autentica cultura Beatnik. Los hippies aprendieron todo de los beatniks y lo llevaron a la decadencia masificada de las drogas y el amor libre. Todo lo que llega a la masa se corrompe y se comercializa, por lo tanto pierde la esencia y muere.
La cultura Beat es más auténtica y sobre todo más culta. Los Beatnik escuchan Bebop, el Jazz desenfrenado de Charlie Parker y Dizzy Gillespie; se reunen a debatir sobre escritores y poesía en los cafés más decandentes de la ciudad y sobre todo introducen en Occidente las filosofías orientales (Vagabundos del Dharma).Kerouac crea un nuevo estilo llamado "Prosa espontánea", que te cautiva desde la primera frase de On the Road, a mí me pareció que realmente estaba viajando con Sal Paradise y que estaba mantiendo una conversación constante, fue algo así como cuando vi Pulp Fiction, y en sus diálogos hablan sobre masajes en los pies y los cerdos. Es una conversación que podrías tener con tus colegas en una noche de copas, eso es la prosa espontánea.
Otra curiosidad de esta obra es que e original está escrito en un rollo. Parece que a Jack le resultaba molesto tener que cambiar de folio en la máquina escribir, así que , decidió pegar los folios para no tener que cambiar de folio y no perder el hilo de lo que estaba escribiendo. Este tipo sin duda me parece un genio injustamente olvidado. Olvidado a posta. No interesa mucho que la gente lea este tipo de libros, es mejor que lean Crepúsculos y Milleniums. De todas formas tengo noticias de que se está preparando una película sobre el libro, el caso es comercializarlo todo, sacar tajada, y convertirlo todo en un producto plastificado de usar y tirar. Hasta cuando?
Termino con un párrafo del libro y perdón por semejante rollo que he soltado.
"Pero entonces bailaban por las calles como girándolas, y yo arrastraba los pies tras ellos como he venido haciendo toda mi vida con la gente que me interesa, porque la única gente que me interesa es la gente que está loca, la que está loca por vivir, por hablar, ávida de todas las cosas a un tiempo, la gente que jamás bosteza o dice un lugar común..."

YO, EL HALCON (Over the top)

Es una película de la Metro Goldwyn Mayer, del año 1987. Dirigida por Gary Conway y David C. Engelbach. Protagonizada por Sylvester Stallone, Robert Loggia, Susan Blakey y David Mendenhall en los papeles principales. Es una película de acción sensiblera (Stallone es co-guionista de la película), y dura 90 minutos aproximadamente.

Realizada meramente para lucimiento del actor, es una película que cuando la ví de pequeño me gustó, ya que se toca el tema del padre que hace lo que sea por su hijo, que le enseña a ser fuerte y a luchar por lo que cree (muy profundo para un jovencito que lo vea). Y ahora lo que me viene a la cabeza cuando la veo es lo que puede hacer un padre por su hijo (como cambian los tiempos).
Pues bien, resulta que Lincoln Hawk, (Stallone), padre divorciado, tiene que recoger a su hijo Michael de la academia militar donde cursa estudios, puesto que la madre está en un hospital muy grave. El abuelo de la criatura (Loggia), intenta impedir que se reúna con su padre, y casi lo consigue en un triste secuestro fallido.
La intención de Hawk es ganar el torneo de pulsos que se celebrará en Las Vegas, y así ganar un buen montón de dinero para hacerse cargo de su hijo.
Después de ciertas vicisitudes, de medio llorar por la pérdida de la custodia, y de sudar la gota gorda con el último pulso, logra su objetivo (como no podía ser de otra manera).

Es una película sin pretensiones, con una banda sonora que a mi me encantó y me sigue gustando, con ese gran Giorgio Moroder sempiterno en las bandas sonoras de las películas de los 80 donde haya juventud y buenas intenciones. Ese Kenny Loggins que alcanzó sus grandes éxitos gracias precisamente a sus colaboraciones con este monstruo de la música comercial. Esos malos malosos que no ceden ante nada, ese movimiento de dedos a la hora de ganar el pulso y otras tantas ochentadas propias de la época.
En fin, que aunque no sea un peliculón, de vez en cuando gusta el ver películas como esta. Sobretodo a mi, que me encantan los 80.

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ATORMENTADA (Under Capricorn)

Es una película de la Transatlantic Productions, del año 1949, basada en una novela de Helen Simpson. Dirigida por el genial Alfred Hitchcock, tiene como principales protagonistas a Ingrid Bergman, Joseph Cotten y a Michael Wilding. Película estadounidense de intriga que dura 117 minutos aproximadamente.

La acción esta ambientada en la Australia del siglo XIX, en la colonia de Nueva Gales, donde iban todos los prisioneros, de diversos cargos, a realizar trabajos. Hasta allí llega el nuevo gobernador, Sir Richards, papel interpretado por Cecil Parker, y su primo el metepatas, llamado Charles Adare que es el actor Michael Wilding. Pues bien, es este último personaje el que detona toda la acción, cuando al intentar hacerse rico en esa colonia (que era lo que venían a hacer todos los ingleses que hasta allí llegaban), le presentan a Sam Flusky, personaje que interpreta Joseph Cotten, para que haga negocios con él.
Cuando va a cenar a casa de Sam, conoce a la mujer de este, Ingrid Bergman dando vida al personaje de Henrietta, una mujer con serios problemas con el alcohol. Henrietta y Charles se conocían de cuando eran niños y vecinos. Sus familias vivían cómodamente, y estaban acostumbrados a la vida lujosa. Cosa que no comparte el marido de esta, Sam, que antes de ganar fortuna en Nueva Gales, trabajaba en un establo. Más concretamente en el establo de la familia de Henrietta. Ambos se enamoraron y se casaron sin el consentimiento familiar. Él cometió un acto criminal, y fue trasladado a Australia, adonde le siguió su mujer.

Charles intenta que reaccione, y vuelva a ser como antes, pero no solo por la simple intención de que se recupere, sino que se enamora de ella, y piensa que ella debe de estar con alguien de su posición y no con un don nadie como Sam. Y es a partir de aquí donde se lía todo.
Una buenísimas interpretaciones, del trío protagonista, dirigidos magistralmente por el genio del suspense, Alfred Hitchcock. Que, aunque muy bien llevada, no gustó tanto en aquellos días en los que Alfred les tenia más acostumbrados a un suspense más, quizás, brutal, que a este. Pero a mi me sigue pareciendo de lo mejorcito que realizó. Por desgracia para Hitchcock, no ganó nunca un oscar, aunque muchas de sus películas si lo hicieran. Es raro que se le catalogara de buen director, y no ganara nunca una estatuilla. Misterios de Hollywood.

Como también lo es el que Joseph Cotten, actor que empezó su carrera de la mano de Orson Wells, con quien colaboró en varias películas, no recibiera el homenaje que se merecía por sus compañeros de Hollywood cuando murió, a los 88 años. Y es que es ahora cuando los críticos de cine valoran de nuevo las películas que realizo este hombre, y las catalogan como pequeñas obras maestras. Pero esto suele pasar muy a menudo.

También hay que decir, que la impresionante Ingrid Bergman, que con la película Casablanca alcanzó fama internacional, no contribuyó al éxito de la película en Estados Unidos. Y esto es así por lo siguiente. La película es del año 49, y en ese año, ella se marchó a Italia donde conoció a Roberto Rossellini, con el que mantuvo una relación. Y eso no lo vieron con buenos ojos los estadounidenses, puesto que esta mujer ya estaba casada y con un hijo. Y en Italia se tuvo que quedar esta increíble actriz, solo porque a la gente le importaba más la vida personal, que el trabajo interpretativo, que es lo que realmente debiera importar de una actriz o de un actor.
Sin más, decir que me entusiasmó la película, desde el principio (presentando pausadamente a los personajes), hasta el final (donde se resuelve todo con gran acierto), pasando por la inmejorable mitad de la película (donde descubrimos el porque del alcoholismo y el crimen cometido por Sam, si hay tal crimen).
Y antes de despedir mi comentario, decir que Margaret Leighton, que interpreta a la ama de llaves Milly, es uno de los personajes más perversos que he visto en el celuloide. Comparándose a Judith Anderson en el papel de Sra. Danvers en Rebeca; Kathy Bates, encarnando al personaje de Annie Wilkes en Misery, o Glenn Close, interpretando a Alex Forrest en Atracción Fatal.

ROY BUCHANAN

Roy Buchanan es uno de esos músicos malditos y atormentados que han existido y existirán en la historia del Rock. Como todo romántico se suicidó en su celda ahorcado tras ser detenido por conducir borracho. Aunque su familia más cercana niega la posibilidad del suicidio y apunta a otros factores, como una posible agresión de la policía. En cualquier caso Roy era un talento tocando blues, he incluso fue tentado por los Rolling Stones para tocar a principios de los setenta, pero el bueno de Roy rechazó la invitación. El prefería pasar desapercibido y seguir tocando blues. Como buen músico maldito también tenía bastantes problemas con el Alcohol. Como tantos otros guitarristas de blues, como Rory Gallagher y Stevie Ray Vaughan, el Alcohol se convirtió en el refugio de este gran bluesman olvidado.
Descubrí a Roy en casa de un colega, cuando de repente escuché un temazo de Blues con una guitarra incendiaria que casi me recordaba a Hendrix. Roy no tiene nada que ver con Hendrix, pero su forma de tocar me recordó al dios de Seattle. El tema que escuché se llama "When the guitar plays the Blues". En ese preciso instante investigué y escuché toda su discografía, sorprendiéndome y ascendiendo a mi particular Olimpo de dioses musicales.
Roy era uno de esos poquísimos guitarristas capaces de hacer llorar a su guitarra, su técnica no es muy ortodoxa pero si muy sentida.


Mi Disco favorito de Roy quizá sea el "Live in Japan"(Alguien puede decirme porqué los Live in Japan son tan cojonudos???). El disco comienza con un instrumental increíble titulado "Soul Dressing" en él, Roy nos muestra todo su poderío guitarrero así de entrada, sin anestesia. Luego le sigue el "Sweet Honey Dew" que es una de mis canciones favoritas. Si tienes un día triste te pones este tema y enseguida se te quitan las penas. Increíble temazo. Más tarde nos encontramos con una joya perdida en el tiempo, una versión del Hey Joe que para mi gusto es mejor que la versión que hizo Hendrix en su día, pero bueno, si no fuera por Hendrix quizá no conoceríamos la canción Hey Joe. Impresionante Feeling, su Telecaster suena tan potente que es capaz de ponerte en órbita. Los acordes ejecutados y su uso del volumen exquisito nos hacen levitar. El disco entero es una maravilla y es una escucha recomendada para todos los amantes de la música en general y del blues en particular.Bueno y nada más solo cabe que conozcáis a este personaje sino lo conocíais y si lo conocíais pues que lo revisitéis.

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