lunes, 29 de marzo de 2010

DIAMANTES PARA LA ETERNIDAD (Diamonds are forever)



Es una película de la United Artist, del año 1971. Dirigida por Guy Hamilton e interpretada por Sean Connery, Jill St. John, Charles Grey y Bernard Lee entre otros. Es otra película más del agente James Bond, lo que quiere decir de acción, y dura aproximadamente 115 minutos.

Es la séptima película de la serie Bond, y la sexta que interpreta Sean “el correcto” Connery. Fue el único actor que volvió a interpretar al personaje después de ser sustituido por otro actor. Pero es que Connery es mucho Connery.

Cuando George Lazenby dejó el papel, la United se encontró con un vacío enorme, puesto que no querían dejar escapar el filón que era hacer una película Bond. Entonces se pusieron manos a la obra en busca del Bond perfecto. Lo malo era que la distribuidora y los productores buscaban cada uno una cosa diferente. Si bien los productores Albert R. Broccoli y Harry Saltzman buscaban una cara nueva (intentaban americanizar al personaje, porque por aquellos tiempos creían que subiría aún más en popularidad a Bond), y la United pensaba en repescar a Sean Connery. Al final la productora ganó, con la no despreciable cantidad de 1.200.000 dólares, los cuales el actor donó a una asociación benéfica que él había fundado 3 años atrás en escocia (digo yo que no todo el dinero, pero es lo que se dice).
Para el argumento se pensaba en volver a los orígenes, y sobre todo a la trama de Goldfinger, puesto que es con esa película con la que el personaje adquiere fama mundial. Así que se metería al hermano de Goldfinger para luchar contra Bond, pero cuando se descubrió que volvía Sean al papel, se obvió tanto ese villano, como la americanización del personaje. Y les salió bastante bien.
Y aquí tenemos a Bond, que empieza a buscar por todos los sitios que conoce, al asesino de su mujer, Ernst Blofeld, interpretado esta vez por Charles Grey (el cual ya salio en Solo se vive dos veces, en la cual, eso si, interpretaba a otro personaje). Cuando cree haberlo encontrado lo mata, sin saber que es un doble. Luego se toma unas vacaciones, que terminan cuando se le reclama para otra misión. Esta vez se trata del robo de diamantes. Suplantando a un traficante de diamantes, se une a Tiffany Case, interpretada por la bella Jill St. John, con la cual llegara a mantener una relación (que raro). Luego descubrirá que Blofeld esta de nuevo detrás de todo, puesto que ha ideado un satélite echo de diamantes con el cual pretende destruir con un potente rayo láser cualquier ciudad del mundo. Y piensa ofrecerlo al mejor postor. Con la ayuda del agente de la CIA Felix Leiter (cuyo personaje nunca es interpretado por un mismo actor en toda la serie), logra desbaratar los planes del líder de Spectra.
En esta película, el personaje de Bond empieza a ser más sarcástico que antes. Me viene a la cabeza una frase suya, cuando llevan el cadáver de su supuesto hermano, y uno de los villanos le dice: “yo también tengo un hermano”, a lo que él contesta: “que cosas pasan”. O cuando antes de los créditos iniciales, estrangula a una tal María con su bikini, y la dice: “habla más alto que no te oigo”. Buenísimo.
Como ya tenían previsto hacer algo parecido a Goldfinger, repite el mismo director, Guy Hamilton, el cual esta encantadísimo de hacerlo. Sobre todo con Connery de nuevo llevando el manto del agente británico más famoso del mundo. Y es que ninguno de los actores o del equipo de rodaje tiene queja de este actor, el cual ayuda cuando puede, y colabora (no exige), con los guionistas y director.

Dos de los personajes más carismáticos de la película son el señor Kidd y el señor Wint. Estos dos asesinos a sueldo de Blofeld, tienen una extraña manera de matar, y disfrutan con ello. Cuando en el desierto de África matan al dentista y a los esbirros del helicóptero, y se marchan juntos agarrados de la mano, no cabe duda de qué son, y creo que eso le da mucha más fuerza a los personajes. El primero es interpretado por Putter Smith, un músico de Jazz, cuyo papel es el primero que hace para el cine. Para el otro personaje se recurre a Bruce Glover, aunque se decía que buscaban a alguien parecido a Peter Lorre, y la verdad, como él mismo dijo, no se parecen en nada. Pero la química entre ellos dos fue genial.
Como apunte final, comentar el origen de la saga Bond:
Todo se debe al productor Albert R. Broccoli, o como le gustaba que le llamaran: Cubby (mote que le pusieron cuando era un muchachito). Después de diversas peripecias económicas (su familia venia de Italia, y lo mejor que consiguieron fue adquirir una granja en propiedad), se metió en el mundo del espectáculo gracias a un amigo suyo de la infancia. Después de fundar la compañía Warwick junto a Irving Ellen y de ganar bastante dinero, vino la bancarrota. El asumir todo el riesgo de producción en la película “El juicio de Oscar Wilde”, en el que se trataba su homosexualidad, les supuso un batacazo económico del que creía no se iba a recuperar nunca. Gracias a su tenacidad y buen olfato, volvió a intentar comprar los derechos de los libros de Ian Fleming relacionados con el personaje de James Bond (esto lo intentó tiempo atrás, pero su socio por aquel entonces Irving, no lo veía claro). La persona que tenía los derechos era Harry Saltzman, y no tenia intención de venderlos. Por el contrario, quería ser socio de Cubby, al cual veía muy capaz de llevar el negocio a muy buen puerto. Y así fue como decidieron hacer Doctor No, la primera película del personaje, y de la exitosa serie del agente 007, para el disfrute de todos sus seguidores, entre los que me incluyo.

lunes, 22 de marzo de 2010

VALLEYS OF NEPTUNE (2010)


Acaba de salir al mercado el nuevo disco de un Jimi Hendrix que lleva muerto 40 años. Se trata de una recopilación de temas grabados alrededor de 1969 y 1970 en los que el guitarrista dejó algún tema inédito y otras canciones ya grabadas anteriormente con distintos arreglos. Estos temas componen un esbozo de lo que hubiese sido su cuarto disco de estudio. La verdad es que escuchando el disco parece que Hendrix dejó algunos proyectos sin acabar y se nota que han puesto medios para que suene con calidad y fiel al sonido Hendrix, de hecho está autorizado por la familia del guitarrista. El disco empieza con fuerza, con una nueva versión del "Stone Free" que suena como si se hubiera grabado ayer. La fuerza de la guitarra de Hendrix que se escucha en este tema me ha transportado a mis años mozos cuando un colega me pasó el disco también póstumo y recopilatorio "Blues" y mi vida cambió. Descubrí una música intimista y expresiva, y de como una persona puede expresar tantas cosas con un instrumento musical.
Nos damos cuenta de que Hendrix estaba en su máximo apogeo creativo en el momento de su muerte y que posiblemente su obra maestra aún estaba por llegar.
Digo esto porque en el disco aparecen atmosferas y texturas musicales de otro mundo, quizá de Neptuno. No se de donde sacaba esas ideas.
El segundo corte es la canción que dá título al disco, Valleys of neptune, una canción rockera al estilo de los singles que sacó en vida y que hubiera sido incluida en su siguiente disco.
EL tercer corte es una nueva versión del famoso blues de Elmore James "Bleeding Heart" que ya grabó anteriormente como blues lento, y aquí nos encontramos con un Riff Arrollador que nos hace levantarnos de la silla y prácticar el Air Guitar.
A partir del cuarto corte viene el declive, aquí es donde el disco empieza a decaer. "Hear my train coming" es un blues lento repetido hasta la saciedad en los discos y directos de Hendrix. Se suceden los temas en directo sin ninguna novedad en los arreglos con temas descartados que son claramente improvisaciones y pruebas que realizó en el estudio y que nos hacen pensar que han utilizado todo este relleno para vendernos un nuevo disco de más de lo mismo.
Hay un versión del "Sunshine of your love" de Cream que es un guiño a la admiración que sentía Hendrix por Clapton, pero que se trata claramente de un descarte o una prueba de estudio sin mayor importancia y dista mucho de otras versiones que hizo.
En cualquier caso, los fans del guitarrista se pondrán muy contentos cuando lo escuchen. Como yo.

Download:
FLVMP43GP

domingo, 7 de marzo de 2010

JIMI HENDRIX (2º Parte)


Esto es un comentario añadido por un buen amigo y compañero de fatigas Israel. Me pareció tan bueno que he decido publicarlo como si fuera un Post. Gracias Israel, muchos pensamos lo mismo que tú acerca de Hendrix y algunos le veneramos como si de un Dios se tratase.

"Muy buen articulo Gary. Felicitaciones por tu blog, esta de putisima madre. Sobre Hendrix yo diría que es necesario ensanchar un poquito el discurso y pasar a comentarlo abiertamente como artista, apartándole un momento de su querida guitarra. Quizás más que nada comenzar mencionando el tremendo poder de su música, que sospecho, se va perdiendo poquito a poquito en las generaciones más jóvenes que ya escucharan al maestro como algunos leen a Shakespeare o a Cervantes, sin amor, como obligación, o ya de hecho, porque el artista sea parte de un canon que convalece o difícilmente se relaciona a la actualidad. Tal vez esto no sea así, pero he sido testigo de esta actitud de desprecio entre algunos, y me he quedado asombrado. Mencionar también que Hendrix no es solo el disco homónimo, sino que mucho más grandes son sus siguientes títulos y su obra en directo, mucho más grandes las apuestas musicales y textuales en ellas que en el primer disco, disco que sin embargo cambio el girar de la tierra para siempre.


Resaltar que Hendrix no solo fue un gran guitarrista (sin duda alguna, cambio el destino de la guitarra eléctrica, de los efectos, de los amplis, en fin de la industria musical y del oidor) sino que también un poeta. Y con esto me refiero a la figura del poeta, el maldito, ese ser de los ojos abiertos y con una lengua capaz de disparar en fraseos de acero. Ese hombre (o mujer) que es capaz de mirar al abismo y mantener la vista, ese hombre erguido, verdadero. Resumir. A Hendrix le importo una reverenda mierda el asunto de las ventas, estuvo ahí en el momento necesario, en un acto de solidaridad y lucha con su generación, y ese ejemplo nos ha quedado postergado. Estos comentarios no vienen a huevo. Estuvo con sus hermanos de color durante los momentos necesarios (la Band of Gypsys fue un guiño a la tradición africana en la música, y también una orden a que estos se sumen y encuentren su voz en el lenguaje del rock, un llamado a no quedar dejados de lado). Estuvo con las mujeres cuando dedicaba Izabela en directo y le comentaba a su audiencia que ‘la otra mitad de un hombre es una mujer, y nunca se olviden de aquello’. Como Martin Luther King cuando llego la hora de ensanchar la lucha por la justicia y criticar ese terrible acto genocida que se llevaba a cabo en el hemisferio del sur; la guerra de Vietnam, tampoco calló, sino doblo su apuesta. No he visto ningún músico actual capaz de hacer lo mismo en protesta contra el imperialismo que se lleva a cabo en Iraq, Afganistán, están muy preocupados por las ventas, por el mercado. Los mediocres sobreviven.


Los Rolling Stone sobrevivieron, venden hoy más que antes, discos notables tuvieron, mi crítica no se basa en referencia a eso (como criticar a ese grande Mick Taylor, o a su original guitarrista, otro hombre temible, Brian Jones, otro mártir mas, que mandó a la misma mierda a Jagger y a Richards y no quiso formar parte de esa máquina industrial que veía acechar). Nunca apostaron por los sueños de su generación, fueron y siguen siendo la caricatura misma del rock, el rock como comercio, como lugar común, un rock vacio, sin esa búsqueda poética, espiritual, esa desenfrenada necesidad de libertad, de expresión, de construir un mundo propio fuera del horror y del vacío del mundo actual. Sintesis: Hendrix fue el primer y el último gran rockero, su actitud de libertad sigue ahí, no fue ningún Elvis, fue el Cristo de la guitarra eléctrica, se prostro por nuestros pecados, por nuestra mediocridad. Mejor que intentar interpretar sus temas, escuchar sus discos, perderse en el mar de referentes, entrar a su mundo, y salir cambiado. Como Gary, que en otro post cuenta su experiencia de haber flipado al escuchar a los Cream en su temprana adolescencia, yo tuve mi primera experiencia de libertad con Hendrix a los 12. Axis Bold as Love, en cassette, se me pararon los pelos de punta, aprendí a pensar con autonomía, a sentir con autonomía, a saber. Fue el mejor regalo que me hicieron jamás, con Hendrix aprendí a comportarme como un ser ético".

sábado, 6 de marzo de 2010

JIMI HENDRIX



Jimi Hendrix es considerado como el mejor guitarrista de la historia y uno de los más grandes músicos y compositores. Sin sonrojarme lo más mínimo me atrevo a decir que Hendrix será estudiado y recordado en los libros de historia al lado de Mozart, Chopin, Brahms. Su aportación a la música es inmensa y es uno de los pioneros precursores del Heavy Metal. Hendrix reescribió el libro de como hacer Rock n' Roll y abrió las puertas a millones de guitarristas y músicos de como utilizar un instrumento y experimentar con él hasta sacarle todas sus posibilidades. Antes de Hendrix la guitarra era un instrumento en auge pero después de, y gracias a él y a Eric Clapton la guitarra pasó a ser el instrumento más popular del siglo XX. Nunca nadie había hecho sonar una guitarra como él lo hizo, capaz de hacerla gritar, gemir o susurrar. Todas o casi todas las imnovaciones en el mundo del rock y la música provienen de él. Hendrix fue el que introdujo y llevó a la masa el uso de distorsión y efectos para más expresividad. Desde Elvis nadie había tenido tanta fuerza y presencia escénica. En los sesenta causó impacto la aparición de aquel tipo estrafalario con una guitarra al revés porque era zurdo, y tocando con los dientes. A parte de la puesta en escena impactante (la cual le hizo sobrellevar el apodo del Elvis negro) además fue el primer negro que fue escuchado abiertamente por un público blanco en el Estados Unidos de los años sesenta. Hay recordar que en 1968 Martin Luther King luchó por los derchos civiles de la población afroamericana hasta que fue asesinado. Hendrix cogió de alguna manera el testigo del lider negro y consiguió acercar a las personas indistintamente de su raza y color gracias a su música.


Jimi Hendrix nació en 1942 en Seattle, capital del estado de Washington. Hendrix crece en el seno de una familia humilde y desestructurada hasta el punto de que muchos de sus hermanos fueron dados en adopción. Su padre Al era poseedor de una pequeña colección de discos de Blues que calaron en el joven James. Su padre observó el entusiasmo de su hijo y le regaló una guitarra con la que Jimi tocaba encima de los discos de sus padre. En aquella época Jimi no tenía dinero para comprar un amplificador, asi que en los primeros conciertos los pedía prestados a sus amigos. Pero Jimi solo concevía la música como un entretenimiento y decidió alistarse al ejercito en 1961. Afortunadamente Jimi fue declarado inválido para el ejercito tras las lesiones que sufrió tras realizar algunos saltos en paracaídas. Después de aquello se planteó la posibilidad de dedicarse profesionalmente a la música y actuó como músico de estudio para algunos interpretes de Rythm and Blues de la época como Sam Cook, Wilson Pickett, Ike y Tina Turner y Little Richard. Este último le despidió porque empezaba a eclipsarle en escena y la gente iba a ver el espectaculo que ofrecía el guitarrista. Tras estos primeros años Jimi decidió trasladarse a Nueva York donde fue descubierto por el cazatalentos, productor y bajista de los ánimals Chas Chadler.
Aquí comienza la leyenda de Jimi Hendrix.
Una vez me contaron una anacdota que no sé si es cierta o no, en la que se decía que Eric Clapton y Pete Townsend no se hablaban hasta la aparición de Hendrix. Se llamaron por telefono y hablaron de que había llegado un ser extraño que tocaba la guitarra como nadie antes lo había hecho. Quedaron para verle. Clapton llegó primero y Townsend al ver la cara de este al contemplar el espectáculo de Hendix en el escenario, le preguntó: - "¿Es bueno?", a lo que Clapton le respondió: -"Es demasiado bueno".
El primer disco de Hendrix es el Are You Experienced?. Uno de los mejores discos debut de la historia.
En este Album se encuentra joyas como Purple Haze, Wind Cries Mary, Hey Joe o Fire. Himnos de la música contemporánea. Hendrix revolucionó el panaorama con estas creaciones que sonaban frescas y con una fuerza insospechada. Luego vino el Album Aixs: Bold as Love.

En 1968 Hendrix se vió desbordado de trabajo. Era de una personalidad frágil y timida hasta el punto de que para grabar sus discos lo hacía escondido detrás de una mampara para no sentirse observado. Para aguantar sobre el escenario y deshinibirse Jimi recurrió a todo tipo de drogas.
La vorágine de conciertos avocó a Jimi a consumir muchas drogas lo que afectó a su personalidad y su imagen sobre el escenario. En el verano de ese mismo año comenzó a gestarse lo que para mí es uno de los mejores discos de la historia. El Electric Ladyland. Para grabar este disco Jimi contaría con grandes músicos de la talla de AL Kooper y Steve Winwood. Este Album estuvo envuelto en una gran polémica ya que en la portada aparecían un grupo de chicas desnudas portando una foto de Jimi. En este disco se encuentran los temas: Voodoo Child y All Along the Watch Tower(una versión de Bob Dylan), dos de sus canciones más emblemáticas.

Después de la grabación de este album, la banda decicdió separarse. Para despedirse The Experience ofreció un concierto en el Royal Albert Hall en 1969. en agosto de aquel año se celebraría el macrofestival más importante de toda la historia y del jimi fue su máximo protagonista: Woodstock.
La actuación fue increible y apoteósica y el momento culminante fue la versión del Himno americano en el que Jimi intercalaba las notas del himno con los gritos y las explosiones de las bombas que en ese momento caían sobre Vietnam. Una forma de protestar contra la guerra que quedó grabada a fuego en la retina del moviento por la paz mundial. La imagen fue sobrecogedora. Jimi interpretando el himno con los dientes mientra los cientos de personas le observaban absortas como si fuera un ser de otro planeta.
Luego Jimi formó de Band Of Gypsys con Billy Cox al bajo y Buddy Miles a la batería. Su unión quedó inmortalizada en el album homónimo que se grabó en Fillmore.
En 1970 llegó el concierto de la isla de Wigh, en el que se produjo un encuentro memorable de grupos como the Doors o The Who. Las cosas estaban cambiando y el ambiente hippie se desvanecía. Un mes después se produjo el hecho de su muerte. Hay muchas teorías sobre este suceso. Lo único que se sabe de forma oficial es que murió ahogado en su propio vomito por una gran ingestión de barbitúricos. Muchas voces dicen que realmente murió asesinado por la CIA que en aquel momento le investigaba y le consideraba un personaje demasiado peligroso y que atentaba contra la moral norteamericana. La Cia también está envuelta en la muerte de otros muchos músicos y personajes destacados por remover las conciencias y las mentes de las personas, y por ser considerados líderes y revolucionados que pueden hacer movilizarse a las masas contra el gobierno. Esto no es bueno para el gobierno y para mantener el orden en la nación estadounidense ni en el mundo. Otros dicen que fue un accidente y otros que fue un suicidio.
En cualquier caso solo cabe decir que estamos ante unos de los personajes más relevantes de la música contemporanea, y que no solo fue un icono de una cultura hippie pasada de todo, sino que por encima de todo fue músico y compositor.


viernes, 5 de marzo de 2010

CORTINA RASGADA (Torn curtain)



Es una película de la Universal, del año 1966. Protagonizada por Paul Newman, Julie Andrews, Lila Kedrova y Wolfgang Kieling, entre otros, y dirigida por el genial Alfred Hitchcock. Dura aproximadamente 123 minutos. No se si catalogarla como de suspense o de espionaje (aunque el término espionaje no creo que se utilice ya para definir un genero fílmico, aunque a mí me guste llamarlo así).
La película gira en torno a Michael Armstrong y a su ayudante y novia Sarah Sherman. Él, por medio de engaños, viaja al otro lado del telón de acero para supuestamente colaborar con los alemanes en la construcción de un misil anti-misiles. Ella piensa que es un traidor, y con el único deseo de ayudarle le acompaña. A medida que va transcurriendo la película, se verá que él no es un traidor. De todas formas, tendrán que sonsacar a un genio científico una formula y escapar de la Alemania Oriental con vida.
Esta película fue duramente criticada en su época, al considerarla de una calidad inferior a lo que Alfred “tú búscame que salgo” Hitchcock les tenía acostumbrados. Pero es que perfecto no es nadie, y si alguien busca algo sobrenatural que vaya a ver a la bruja Lola. El caso es que a mí esta película me encantó, y ya son unas cuantas veces las que la he visto.
Los dos actores protagonistas, Paul “el hombre” Newman y Julie “la casta” Andrews (no he querido ver Víctor o Victoria, trauma infantil), me parecen geniales en esta película. Me viene a la memoria una escena increíble, en la que los dos están en una colina, mientras que los observadores estamos debajo. No se oye nada, pero se deja ver que Michael (Paul Newman), le cuenta lo que él esta haciendo, y ella cambia su expresión totalmente, iluminando la pantalla. Hay que tener en cuenta que hasta ese momento, ella pensaba que era un traidor.

Aunque en un principio el director no pensara en Julie para el papel protagonista, la Universal le convenció de que la contratara puesto que era la actriz del momento, al haber ganado un oscar por Mary Poppins en el 64 y tener un gran éxito con Sonrisas y Lágrimas en el 65. Pero Alfred Hitchcock seguía pensando que el público esperaría que ella cantara. Aun así, yo creo que es muy buena actriz y dio la talla.
En cambio con Paul Newman fue todo diferente. Sí que se le quería para el papel, pero él dio más problemas que su compañera. Tanto el director como él mismo, pensaban que el guión tenía fallos, y ambos intentaban corregirlos, y si no me equivoco, no les dejaron. En su momento, Newman le escribió una carta a su director antes del rodaje, expresando todos los fallos que él veía, y no eran pocos. A esto, Alfred le respondió con otra carta que le fue entregada el día de antes, o la misma mañana, no recuerdo, en el que le escribía una historia y al final le comentaba que respirara hondo, y que se dirigiera al plató con mucha calma. Vamos, que no estuvieron muy finos los caballeros durante el rodaje.
Volviendo a la película en si, hay partes que bajo mi punto de vista sobresalen mucho más que otras. La mítica pelea en la casa del campo, donde Michael y una alemana luchan a muerte contra Gromek, interpretado por Wolfgang Kieling. Aquí se quiso plasmar lo difícil que es matar a una persona. Y en una película de espías es muy común matar. Incluso se llegaba a decir que se mataba muy fácilmente y que tanto era así que ni se paraban a averiguar si realmente estaba muerto. Y si que les costo matarlo.


También recuerdo la huida en autobús. Parecía que todo lo que les podía pasar en varios días, ocurría el mismo día y a la misma hora: salir tarde, pasar un control del ejército, ser atracados por unos desertores. En fin, todo es poco para mantenernos bien atentos y sin despegar los ojos de la película.
El personaje de la condesa estrafalaria, interpretado por Lila Kedrova (que ya había salido en Zorba el griego), da un momento de respiro a nuestros protagonistas, cuando se la encuentran y ella les lleva a tomar un café. Pero de nuevo todo vuelve a ser tenso cuando en la estafeta de correos son reconocidos por un guarda, el cual llama a la policía. Y es que a Alfred Hitchcock se le llamó el maestro del suspense, no por las sorpresas que te pudiera dar, sino por hacer que el público las esperara a cada momento.
Y terminar diciendo que aunque fue muy criticada, no fue un fracaso de taquilla, y que muchos de los que la tildaron de pobre o de que al maestro se le había acabado el toque mágico tuvieron que rectificar cuando la vieron por segunda vez. Y es que aunque no es como “Con la muerte en los talones” o “Rebeca”, es una película muy buena y con un buen ritmo, como casi todo lo que hizo este genio.

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